Punto de Vista 2020: La comunidad

Revelaba Erika Balsom, comisaria de la retrospectiva An Oceanic Feeling, que el título lo había encontrado en la metáfora con la que Sigmund Freud describía el océano como espacio que nos permite pensar más allá de las individualidades para abrazar la fusión con la inmensidad del mundo; una sensación de conexión e interdependencia. Este concepto sobre la inquebrantable relación que establecemos con el entorno recorrió toda la edición de Punto de Vista que, sin renunciar a voces singulares, ha construido un espacio de hibridación artística para generar intercambio y experiencias colectivas que fortalezcan la idea de comunidad: en este caso un grupo de creadores interdisciplinares que comparten intereses junto a un público comprometido con la programación en el que destaca la nutrida presencia de estudiantes de cine. Todo esto concentra Un film dramatique, Gran Premio a la Mejor Película (ex aequo), obra colectiva del centro de enseñanza Dora Maar bajo la dirección de Éric Baudelaire que certifica el poder del cine para crear comunidad. Durante cuatro años, la película que comenzó como una observación sobre los alumnos fue derivando a una obra hecha con los estudiantes para cristalizar en algo creado por ellos mismos. La mirada y el trabajo filmado por el realizador se diluyen con las imágenes que más de una veintena de jóvenes graban sobre su día a día –en la escuela, en su barrio, en casa con su familia o amigos– mientras debaten sobre temas como la violencia social o la identidad francesa y buscan respuesta al interrogante nuclear de la obra: “¿Qué estamos haciendo juntos?”. Una alentadora concreción de las teorías de Alain Bergala^[1] sobre enseñar en cine (y no el cine) por su valor no sólo como objeto de estudio sino como herramienta para otros aprendizajes que resume su frase “quizá es necesario empezar a pensar la película –aunque no es lo más fácil pedagógicamente­– no como un objeto sino como la traza final de un proceso creativo, y el cine, como arte”. El otro premio principal de la sección competitiva fue para Apiyemiyekî? de Ana Vaz que a partir del archivo de más de 3.000 dibujos realizados por nativos de la Amazonía brasileña –y encontrados por un activista en derechos humanos– crea un lenguaje de superposición para construir la memoria visual colectiva de un pueblo sometido a un cruel exterminio institucional y “leer las historias no contadas y reprimidas que están escritas en el paisaje”.

MIRADAS OBLICUAS

La estimulante intersección entre prácticas documentales y experimentales ha recorrido toda la programación del certamen, superando a menudo el marco de las sesiones –armadas conceptual y temáticamente para estimular el diálogo entre obras­­– y encontrando ecos complementarios en otras propuestas de un ecosistema global. El libanés Rabih Mroué ofreció una conferencia performativa y el taller Absent But Liable to Come Back (Ausente pero obligado a volver) para reflexionar sobre el vacío, los desaparecidos y reconstruir el paisaje heterogéneo de su país, destruido por tantas crisis y guerras. Y Once Removed de Lawrence Abu Hamdan, desentraña traumas ocultos sobre la guerra civil en Líbano a través de entrevistas, fotografías y objetos recopilados por Bassel Abi Chahine, un historiador que se considera la reencarnación de un soldado muerto en 1984. Su testimonio sobre proyecciones del archivo personal componen una imaginativa puesta en escena, entre lo teatral y lo cinemático, galardonada con el Premio Jean Vigo a la Mejor Dirección.

A Month of Single Frames (Lynne Sachs con y para Barbara Hammer) supuso el retorno de la directora al festival navarro con una obra que da una segunda vida a las imágenes captadas en 1998 por Hammer durante su residencia artística en una cabaña aislada. Ese material, entregado veinte años después por la autora a Sachs para que hiciera una película ante la inminencia de su muerte, se completó con la sesión homenaje dedicada póstumamente a una realizadora que contribuyó a escribir la historia del cine feminista y lésbico con propuestas sobre nuevas formas de representar la sexualidad y el cuerpo.

OLAS Y VAIVÉN

No fue Sachs la única que volvía a Punto de Vista. Como la cabecera creada por Lois Patiño donde un mar nocturno ­–entre real y soñado– se balancea con las olas, cierto movimiento oscilatorio también se materializó en el retorno de otros cineastas y algunos temas, intereses y obsesiones que periódicamente aparecen en la creación documental. Lo que si parece anclado en el festival dirigido por Garbiñe Ortega es la mirada femenina; de una forma orgánica la sección oficial de este año presentaba una mayoría de realizadoras y las tres retrospectivas estaban dedicadas o comisariadas por mujeres: Anne Charlotte Robertson (figura clave del cine autobiográfico, feminista y personal), el ya citado An Oceanic Feeling y el ciclo Meditaciones sobre el presente que surge de la relación entre cuatro cineastas –Ute Aurand, Renate Sami, Helga Fanderl y Jeannette Muñoz– para destacar la importancia de la amistad y (una vez más) la comunidad a través sus intercambios y colaboraciones esporádicas. También se detectó cierto “déjà vu” en obras con procesos reconocibles (ya casi rutinarios en el ámbito de la creación) compensado por otras seleccionadas con el riesgo que conlleva siempre cualquier inmersión en un mar agitado como necesariamente es la vanguardia.

Ben Rivers, otro conocido del festival, consiguió el Premio al Mejor Cortometraje con Now, at Last que básicamente presenta un perezoso colgado de un árbol durante cuarenta minutos y sonido sin editar. En palabras del jurado: “Una alegre y profunda oda al tiempo cinematográfico, este absorbente retrato de un perezoso de Costa Rica combina el cine observacional en blanco y negro con vibrantes pasajes musicales para recordar al espectador el poder del cine para revelar y alterar respetuosamente la alteridad y la otredad.” Luke Fowler, ganador en esta categoría el pasado año, retornó con Cézanne, una nueva exploración sobre los límites y convenciones de la cinematografía biográfica y documental grabada con cámara Bolex en el estudio y jardín del pintor para volver a registrar, con ritmo trepidante, aquellos lugares sobre los que una vez posó su mirada el artista. Y Apparition se titula la obra con la que Ismaïl Bahri reapareció en un certamen que galardonó su obra Foyer en 2017. Un solo plano para otra imaginativa apuesta formal: una fotografía en blanco bañada de luz y unas manos que la exploran mientras su sombra revela lo que la imagen oculta: una multitud congregada el día de la independencia de Túnez. 

OTROS BINOMIOS

A Tongue Called Mother de Eva Giolo articula dos espacios de aprendizaje de la lengua materna, el familiar y la escuela, para exponer como el idioma que se habla habitualmente puede llegar a configurar nuestra personalidad. Su abuela con alzhéimer, su madre y su sobrina que está aprendiendo a leer hablan con las palabras que se van aprendiendo y las que se van olvidando en un film de una realizadora que confesó “yo he tenido una relación complicada con mi madre, en el plano lingüístico también”.  Y Kathryn Elkin, directora de la simpática Queen, declara que “tenía una mala relación con mi madre, por eso me hice artista” en una obra que muestra su embarazo y su vida en diferentes escenarios con una autenticidad y humor que la hicieron merecedora de una Mención Especial del Jurado y el Premio de la Juventud.

El Premio del Público fue para Overseas de Sung-A Yoon, impactante documental sobre una nueva realidad de esclavitud contemporánea que filma el programa de preparación de las mujeres filipinas que cada año abandonan su hogar para servir como empleadas domésticas en países industrializados. Su evidente planificación, con planos frontales de perspectiva centrada en un único punto de fuga, no resta autenticidad a un panorama desolador de abusos y humillaciones para el que se preparan interpretándose a si mismas (con su estrés y ansiedad) y a sus futuras empleadoras durante las prácticas.

Aquí y allá de Melisa Liebenthal obtuvo otra Mención del Jurado con su híbrido ensayo con geolocalización que rimaba con la propuesta de Isaki Lacuesta para clausurar el festival: Para estar aquí y allá al mismo tiempo, proyección con voz y actuación sonora en directo para recordar que el cine nos permite estar en dos tiempos y dos espacios a la vez.

José Félix Collazos

[1] “La hipótesis del cine: pequeño tratado sobre la transmisión del cine”. Ed. Laertes, 2007.