Punto de Vista 2018: Carta de naturaleza para la vanguardia

“El campo experimental es el único ámbito en el que el cine sigue vivo”. La afirmación del profesor, historiador y teórico P. Adams Sitney durante su paso por la última edición de Punto de Vista –donde impartió una clase magistral y una conferencia tituladas “Eyes Upside Down” y “Metaphors on Vision” respectivamente– hay que entenderla más como un aliento de vida para ese “otro” cine que como certificado de defunción de un arte en pleno proceso de transformación y constantes mutaciones. También, por qué no, como una reivindicación del ensayo-error llena de amor por las obras personales e imperfectas pero arriesgadas que habitan en la vanguardia visual.

Si “lo vivo” era una de los conceptos articuladores de esta edición, lo híbrido y lo común han quedado reflejados en la sección oficial por numerosas obras firmadas por artistas plásticos pluridisciplinares que trabajan la imagen en movimiento como exploración formal y conceptual, en ocasiones reivindicando (en un efecto espejo a su vez) a otros creadores olvidados, y por una observación de la naturaleza como comunidad intervenida por el ser humano; una mirada tan llena de preocupación como de gozoso asombro. Así, nuestro planeta también alcanza en algunas obras la condición de sujeto en un género, el documental, que habitualmente indaga por los territorios más intransitados para encontrar verdades ocultas y visibilizar a los más vulnerables.

FEMENINO EN PLURAL

Nacida de la anterior observación surge Baronesa, probablemente la película más fronteriza del festival, un acercamiento a la realidad de las favelas brasileñas sin renunciar a mecanismos del cine de ficción pero que conserva su autenticidad a pesar de situarse muy lejos de cualquier propuesta sociológica. A través de situaciones y charlas cotidianas de sus dos protagonistas, Julia Antunes nos presenta un luminoso mundo femenino en precario por la amenaza constante de una violencia fuera de campo y que con su irrupción provoca un exilio interior y exterior.

Otras dos mujeres –una de ellas la realizadora, Angie Obeid– comparten en un apartamento el tiempo de espera hasta encontrar “su sitio” en I Used to Sleep on the Rooftop. La realizadora filma el espacio, prisión y refugio a la vez, con precisión y firmeza en cada encuadre para registrar un momento personal y nos ofrece un sensible retrato de mujer en su compañera Nuhad. 

La película que inauguró la sección oficial, Young & Beautiful, es también un (auto)retrato generacional, pero en este caso la directora se expresa fuera del cuadro en las conversaciones que mantiene con su hermana y tres amigos. La resistencia a crecer y asumir compromisos en una sociedad que aniquila sus aspiraciones y sus señas de identidad marca el tono de los testimonios en esta obra de cine en primera persona. Su complicidad y su voz, fresca e intimista, le hicieron merecedora del Premio del Público.

El tándem de realizadoras Lynne Sachs y Lizzie Olesker –cineasta y dramaturga respectivamente– presentó The Washing Society, una de las propuestas más estimulantes (e híbridas) de la sección. Tomando como punto de partida la sociedad de lavanderas afroamericanas fundada en 1881, las autoras muestran el actual declive de las lavanderías de Nueva York combinando testimonios auténticos de trabajadores con la recreación de intérpretes. Yuxtaposición de realidad y ficción, juego temporal y diferentes recursos artísticos (perfomance, cine, teatro…) para hablar de esos trabajos invisibilizados pero necesarios que hacen funcionar nuestras sociedades, conectados con nuestra intimidad, a nivel de piel, pero ignorados. La última pareja de mujeres la conforman las artistas Vivian Suter y su madre Elisabeth Wild retratadas en la cotidianeidad de su finca de Guatemala. La intimidad de la relación madre-hija y la dependencia de sus asistentes domésticos crean una atmósfera enrarecida e inquietante, una especie de confinamiento filmado siempre a la altura de los ojos y cuyos planos funcionan como parpadeos en Vivian´s Garden.

EL PALMARÉS, NATURALMENTE

La obra brasileña O Peixe recibió una Mención Especial del Jurado a la Dirección. De Andrade filma en 5 segmentos un ritual de pescadores que abrazan a sus capturas mientras las acompañan en su tránsito moribundo. Sus  bellas imágenes evocan el tratamiento escultórico grecolatino en los cuerpos de los captores y la placidez y exotismo de los paisajes retratados en las películas etnográficas. Pero, al tratarse de una ceremonia inventada, la ambigüedad multiplica la capacidad de sugerencia del film abriendo nuevas lecturas. La (aparente) empatía de un acto de amor y compasión, de profunda comunión con la naturaleza, puede ser un ejercicio de dominación sobre el entorno natural y, ampliando la metáfora, una relación asimétrica y aniquiladora, también en lo afectivo.

Optimism, de la profesora de arte Deborah Stratman, consiguió el Premio al Mejor Cortometraje. A lo largo de sus 15 minutos combina imagen analógica, digital y archivo para narrar la lucha de poder que el ser humano realiza sobre el paisaje, en este caso para encontrar luz en un pueblo de buscadores de oro en permanente sombra bajo las montañas canadienses. El trabajo, entre el documental y el cine experimental, ensancha su mirada con el uso de  la banda sonora de La quimera del oro (The Gold Rush, 1925) de Chaplin.

La trayectoria de más de 50 años de experimentación de Nathaniel Dorsky fue recompensada con el Premio Jean Vigo a la Mejor Dirección por su “compromiso irreductible, de fe inquebrantable en la imagen (…) sus películas, son un ser vivo que respira ante nuestros ojos”. Elohim, or Divine Beings, the Energy of Light as Creation, forma parte de un cuadríptico sobre la energía creadora de la luz que el cineasta rodó durante la primavera en un jardín cercano a su vivienda. Sobre la pantalla, su trabajo en 16 mm se va revelando ante el espectador como una experiencia mística, un Génesis pleno de delicadeza e intimidad, que origina una comunicación no verbal sobre el tiempo, el misterio de la existencia y la eternidad.

El Gran Premio Punto de Vista a la Mejor Película fue para Flores de Jorge Jácome, una ficción especulativa sobre una plaga incontrolable de hortensias que obliga a evacuar las islas Azores. Bañado por el color púrpura de las flores, el film propone una sensual deriva narrativa por un territorio fantástico de la mano de los dos últimos soldados que administran las islas. La relación entre ellos y de la especie humana con el medioambiente refleja la justicia poética de una naturaleza que recupera su territorio.

A BENEFICIO DE INVENTARIO

Muy ligada a las preocupaciones destacadas en el Palmarés está The Mount of Ants / Il monte delle forniche, una reflexión sobre la eternidad que quiere superar las dualidades artificiales entre alma y cuerpo a través de dos “realidades” ciegas: la fe y la naturaleza. Sólo entendiendo la presencia humana como una parte más del inmutable universo podemos alcanzar la eternidad colectiva a través de los sencillos valores de la comunidad.

También destaca el trabajo Beyond the One / Al di là dell'uno, reivindicación de la diversidad en las relaciones amorosas frente a la rigidez de los modelos dominantes y donde la multiplicidad de las conexiones íntimas se expresa a través de diferentes espacios, geografías y extractos de música, películas y literatura.

Configurando la sección competitiva como una panorámica plural y heterogénea se presentaron 26 rue Saint-Fargeau, un transversal viaje por diferentes culturas y ambientes a través de las viviendas sociales en una “banlieue” parisina; Configuration in Black and White, propuesta formal con edición en cámara, Electro-Pythagoras, indagación sobre el legado de las ideas musicales del pionero Martin Barttlet y la búsqueda laberíntica de la película experimental desaparecida Events in a Cloud Chamber del artista indio Akbar Padamsee, una obra incomprendida en su tiempo y que “resucita” décadas después en el film presentado en Punto de Vista. Porque el arte desafía a la muerte y la vanguardia está muy viva.

José Félix Collazos